Человека красят его деяния

Эти слова Овидия пришли мне на память во время встречи с художественным руководителем Российского Молодежного театра народным артистом РФ профессором Алексеем Владимировичем БОРОДИНЫМ. Они как нельзя лучше характеризуют этого самобытного художника, одного из непредсказуемых столичных режиссеров. Время - лучший судья. Оно подтвердило правильность избранного Бородиным пути (курс Ю. Завадского в ГИТИСе), востребованность на протяжении десятилетий его режиссерских идей, веру и преданную любовь зрителей, стремление талантливых ребят поступить учиться на его курс.

"Прости меня" В. Астафьева, "Ловушка № 46, рост второй" Ю. Щекочихина, "Дома" В. Розова, "Король Лир" У. Шекспира, "Эраст Фандорин" Б. Акунина, "Вишневый сад" А. Чехова, "Берег утопии" Т. Стоппарда, "Участь Электры" Ю. О’Нила и другие спектакли, в которых Бородин проявил себя непревзойденным мастером содержательного, эмоционально наполненного и композиционно выстроенного современного действа, были тепло встречены зрителями, получили высокую оценку прессы. Отсюда первый вопрос.

В каком направлении, на Ваш взгляд, развивается сегодня российский драматический театр и место РАМТа в этом процессе?

Театр - организм живой, и развиваться он должен в разных направлениях. Я глубоко убежден, что необходимо разноцветие театрального контекста. А зритель решит, куда ему пойти: на психологическую драму или в театр авангардной пьесы. Если театр не ублажает публику, а эмоционально и интеллектуально заряжает, ведет за собой, у него обязательно будет свой зритель. Это касается не только театра вообще, но и конкретных театров. В афише нашего театра - спектакли, адресованные разным по возрасту и интересам зрителям: от самых юных до их бабушек и дедушек, от "Волшебника Изумрудного города" Александра Волкова до "Берега утопии" Тома Стоппарда или "Будденброков" Томаса Манна. Разные авторы, разные режиссеры, классика и современность, поиск и эксперимент, моноспектакли и полифонические полотна… Мне нравится такое "броуновское движение" внутри театра, оно на пользу и труппе, и публике.

Какие темы волнуют Вас сегодня?

На Большой сцене я ставлю спектакль "Нюрнберг" по киноповести Эбби Манна, в котором примет участие почти вся труппа театра. Хочу вместе со зрителями поразмышлять над такой важной для сегодняшнего дня темой, как конформизм во всех его проявлениях. Другая вечная тема: для чего мы существуем. У человека должна быть мечта в жизни, пусть утопическая, но мечта, к которой он идет всю жизнь. Его путь к мечте - путь сквозь ураган и ветер, через тернии к звездам. Это движение к мечте, пусть несбыточной, дает людям возможность быть и оставаться людьми.

Работаете ли Вы с современными драматургами?

Безусловно. В репертуаре нашего театра есть произведения Бориса Акунина, Людмилы Улицкой, Тимура Кибирова, Евгения Клюева, других авторов, а с недавних пор на афише РАМТа появилось имя британского драматурга Тома Стоппарда. Мне близки его философия морали и свободы личности, тонкий английский юмор, ирония и, что редко у современных авторов встречается, самоирония. В отличие от именитых писателей, которые растворяются в своих пьесах, уступая сцену персонажам, молодые драматурги увлечены саморекламой и самовыражением. РАМТ открыт для молодых режиссеров и молодых драматургов, хотя последние предпочитают оригинальным произведениям ремейки известных пьес и инсценировки прозы. Однако драматургия живет по особым законам литературного творчества. Театральная пьеса - это, прежде всего, действие. В действии, по мнению Станиславского, передаются и переживание артиста, и внутренний мир пьесы. Чтобы стимулировать литературное творчество, недавно мы провели конкурс молодых драматургов.

Существуют разные подходы к интерпретации классики на сцене. Каких принципов придерживаетесь Вы?

На мой взгляд, режиссер является интерпретатором литературного текста драматурга, как дирижер - интерпретатором нотного текста композитора. Режиссер и дирижер свободны в трактовке оригиналов, но не должны, на мой взгляд, перерабатывать и дописывать авторские тексты. У каждой пьесы, в том числе и классической, есть автор, а у автора есть права, которые следует уважать. Постановщику, желающему стать единовластным автором спектакля, никто не мешает написать собственный текст или сценарий по мотивам известного произведения.

Как Вы относитесь к нынешней театральной моде, которая ориентируется на абстрактно-умозрительные рассуждения или откровенно натуралистические зарисовки сегодняшней действительности, объявляя их концептуальным театром?

Мода в творчестве - это абсурд. К тому же, мода, как утверждали древние, быстротечна, а искусство вечно. Она здесь и сейчас. Вахтангов дал чудесное определение времени, которое любил повторять мой учитель Завадский: "Нет сегодня, есть вчера в завтра". Это лучший ориентир для художника.

Как Вы относитесь к использованию бранной лексики на театральной сцене?

Отчасти это реакция на социальные катаклизмы и смуты, отчасти на многолетний запрет, отчасти компенсация отсутствия таланта, который позволял Достоевскому, Куприну, Гиляровскому, Горькому и другим писателям создавать страшные картины "дна" общества без употребления ненормативной лексики. В своей практике сквернословие к числу художественных средств я не отношу. Возможно, потому, что с детства влюблен в русский язык - чистый, яркий, выразительный. Считаю его главным нашим достоянием. Русский язык настолько богат, что вполне можно обходиться даже в условиях особого эмоционального состояния без инвектив, что доказали классики.

Несколько слов о ближайших премьерах.

Идут репетиции "Нюрнберга", скоро начнется работа над спектаклем по повести Аркадия Аверченко "Подходцев и двое других", режиссер Сергей Алдонин. Для детей мы ставим спектакли по "Денискиным рассказам" Драгунского и "Глаз джунглей" по рассказу Киплинга "Рикки-тикки-тави". Кроме того, готовятся спектакли по русским былинам и народным сказкам из собрания Афанасьева. На подходе другие интересные проекты. Так что премьеры пойдут одна за другой.

Вы преподает в Российской театральной академии. Какие качества Вы считаете наиважнейшими в профессии актера?

В вузе студенты получают основы ремесла, но настоящими артистами они станут только тогда, когда их природное дарование обретет содержательное наполнение, когда они начнут задумываться о цели и задачах избранного пути. Только глубокое осознание своего предназначения в этой жизни, своего места в профессии позволяет артистам создавать глубокие сценические образы, которые впечатляют и потрясают, устанавливать мысленный диалог со зрителем, который приходит в театр за взаимопониманием и сопереживанием.

Валерий Модестов
"Планета Красота"